54の応募から選ばれた4組（人）の展示プランは、いずれも独創性が際立っていた。それぞれの活動領域や使用メディアの特性を見据えながらもその枠内にととまらず、さらに一歩踏み込み制作してきたことが各人からうかがえる。その上で、「500m美術館」という人々が日々行き交う地下空間の公共性を活かす意欲的な内容が組み込まれていた。書かれた通りのクオリティを実現できるか懸念した部分がないとはいえないが、「入選」の重みを展示へと投入し、観客そして自身にとっても満足いくものにする熱意に賭けた。そしてその期待はかなえられた。いやむしろ、期待以上の結果となった。各作家の世界観と力量が存分に発揮され、どの作品も人々が気になり引き込まれる魅力を放っていた。
大通駅側から順番に見ていく。茂木綾子「森の道|PASSAGE OF THEFOREST―見ることは、創造すること」では、500m美術館の定番のガラスケースがモノクロの森の風景へと変貌した。そこここに大小の穴が空いており、多くの人々が立ち止まり覗き込んでいたが、その光景自体も作品の一部になっていた。穴の奥では森の中に生息するさまざまな動植物と出会え、それらに引き込まれて一瞬どこにいるかを忘れてしまう。目的地に向かう直線的な通路が、90度向きを変えて穴を覗くことで突然森に迷い込むような体験へと変容する。写真家・映像作家として長いキャリアを持ち、人間／非人間の境界を超えて自然と感応してきた茂木は、本作においてさらに「見る」という行為を「創造」的なものとして人々に投げかけた。唯一惜しむべきは、写真プリントでガラス全面を覆うのは容易でなく、表面にシワや浮きが生じてしまったことである。
林七海の「Ramen Paintings」では、札幌名物でもあるラーメンの絵が並んでいるが、林ならではのタッチで丁寧に描かれた黄金背景のテンペラ画は、その力量を物語る。大衆的なラーメンと中世イタリアの宗教画由来の画法といういささか唐突な組み合わせは、食が細かった林がかつてラーメンだけを糧とした体験に基づくという。自身を救ったラーメンは、彼女にとって神聖な存在であり、テンペラ画の宗教性ともかみ合ってくる。描かれたラーメンはすべて実食したもので、本展では札幌で新たに食べたラーメンのテンペラ画（大型）やラーメンマップに加え、膨大な数のラーメンのテンペラ画が整然と並ぶ様子は壮観ですらあった。ラーメンのテンペラ画が発する金色と温かみは、広範囲の人々を引きつけたことだろう。
澁木智宏の「Wrapped Figure / Shells」は、白いフェルトがうっすらと雪のように衣服を覆ったインスタレーションである。一つのガラスケースには、学生や社会人など異なる属性の衣服を纏った無頭の人物像が並んでいる。もう一つには、やはり白いフェルトに覆われた大量の衣類が山となっている。衣服は人間が身体を外部から守るためのものであり、同時に時代や纏う人の属性を表し、各人の個性を伝えるメディアでもある。しかしここでは匿名的な人物像や纏われていない衣服が、もはや誰にも属すことなくフェルトによってフリーズされ（温度・時間両面）、剥奪された意味が宙吊りになっている。新人であるものの、店のショーウインドーのような500m美術館の空間を生かし、異化する力強いインスタレーションとなっていたように思う。
上木大汽の「失ってから今になる」は、自ら技術を開発、特許を取った「氷写真」のクオリティが鍵であったが、実際見るとその心配は溶解した。技術開発や東京スカイツリーをセスナ機で撮影するなど、技術やシステムにこだわりを持つ上木は、作家としての展示経験はまだ浅い。いわゆる「圏外」から写真というメディアを探究し、その可能性を記録や保存という目的性から、生成や溶解のプロセスや「消失」へと読み替えたこと、しかもその発想が「氷写真」の実現によって生まれたことは特筆すべきである。二つのガラスケースを構成、その一つの中央には氷写真（東京スカイツリー）が、もう一つには電源がなく空の装置の鏡面が見る側を映し出す。前者は氷写真を中央に、前半分は写真の形成、後半は溶解プロセスの写真がタイムラプスで並んでいる。後者は花で頭部が隠れた銃を持つ男の写真が、溶けながら中央（空の装置）に至り、右に向かって逆に形成されていく。500m美術館を通過する人々の時間と写真の形成や溶解プロセスを並行させた展示構成も秀逸であった。
どの審査員も全作品に高得点をつけ、高いレベルでの接戦となったが、とりわけ突出していたのが上木で、全員一致でグランプリを決定した。近代が生み出した「保存」を前提とする写真技術を、自ら編み出した「消滅する」写真技術で読み替えたこと、そこに見られる技術や社会に対する透徹したまなざしと批評性に期待している。

500m美術館賞も今回で13回目になる。展覧会初日がグランプリ審査日だったが、大雪でストップした交通網の影響でトークショーは中止、審査は別日程へ延期となった。毎年恒例の審査員と作家たちとの交流が無くなったのは残念である。
今回は54組の応募があり、例年にも増して意欲的で個性あふれる作品プランが集まった。一次の展示プラン書類審査、二次のプレゼンテーション審査を経て、最終に残った4組の展示はいずれも地下通路にある500m美術館の特徴を活かしており、独創的で作品の完成度が高く、プランの実現性も申し分なかった。甲乙つけがたい4組の中で、文化・技術の時代交差的視点や独自のメディア再定義、新たな技術手法等が評価され、グランプリ授賞は上木大汽の「失ってから今になる」となった。
上木の作品は、今を「記録」し「保存」するという写真メディアの本質的な特性を、「消失」という真逆な観点から再定義したもので、生と死、保存と消失、記憶と忘却がテーマである。特に評価されたのは、『氷状対象物への印刷方法』を独自に開発し、特許を取得した技術で制作された「氷写真」という新たな表現手法だ。現在は誰もが簡単に写真を撮影加工しSNSに投稿するが、上木のコンセプトは、19世紀に展開された複数の古典技法等も内包しつつ新たな写真表現を生み出した。また今回の展示プランは500m美術館の通路を歩く鑑賞者に合わせた時間軸で考案され、明確で伝わりやすい構成となっていた。今後も、この技法と被写体との関係性を掘り下げながら、表現の幅を拡げていってほしい。
茂木綾子の「森の道｜PASSAGE OF THE FOREST—見ることは、創造すること」は500m美術館のガラス面を穏やかな森の小道に変えた作品である。通路を歩きながら木々を見ていく爽快感もあるが、特徴的なのは木々の合間に大小の穴が多数あり、森の奥をのぞき込める仕組みである。内部には小さな植物類が隠れていて、虫や鹿なども急に現れるので、ひとつ覗くと他も見てみたくなる。審査時にも、通行人や子供達がのぞき込み、何が見えたかを伝えあっている光景も見かけた。通路を小道に身立てるアイデアは誰もが思いつくが、実際に展示空間にすると平易になりがちであり、空間表現はかなり難しい。茂木の作品は、通行人を誘い込む素朴だが工夫された仕掛けや光の取り入れ方が効果的で、通行する人々の行為が加わって成立する鑑賞手法も評価したい。
林七海の「Ramen Paintings」は、作家のラーメンにかける情熱が溢れた力強い作品である。現代日本における大衆的な食文化を、テンペラという欧州の古い画法で描き、日本文化を思わせる黒い木枠の中に小さな金色の作品群を整列させた。明るいユーモアと静寂な品位を保ちながら、時代や文化を超越する展示空間として成立させた構成力も評価できる。ラーメンへのオマージュが描写のクオリティの高さにつながり、新規に札幌のラーメンを描いた少し大型の作品等も見応えがあり、地下空間に輝きと食欲を加える展示となった。
澁木智宏の「Wrapped Figure/Shells」は衣服を人物像としての立体群と、布地の積み重ねとしての大型物体という異なる２つの物体性を、文字通りファッショナブルに提示した展示構成だった。衣服だけの立体像には個々にキャラクター性を持たせ、最も華やかなのがインフルエンサーとした現代的な職業観も面白い。薄い真綿を雪に身立て、床や衣服の全てに纏わせており、展示空間の統一感を作っている。カラフルでありつつも淡い色合いの全体構成に作者の色彩感覚の良さが感じられ、決して街中のショーウインドウには陥らずに、きちんと表現空間となっていることを評価したい。

13回目を数える500m美術館賞に、今回も全国各地から多くの応募があり、この賞の認知度が確実に上がってきたことをうかがわせる。一次の書類審査と二次面接を経て選ばれた4作品は、いずれも当初のプランを高いレベルで具現化し、完成度の高い仕上がりとなっている。特に今回は、この500m美術館特有の細長い展示空間を積極的に活かした作品が目立った。また、普段、現代美術に馴染みのない人々も多く行き交う「通路」という特性に対し、各作品が通行者の興味を惹きつける魅力を備えていた点も特筆したい。それは、500m美術館の設立目的のひとつが、多くの市民に日常的に現代美術の楽しさを伝える導入的な役割を担うことであったことを、改めて思い出させるものであった。

大通駅側から順に見ていきたい。
茂木綾子「森の道丨PASSAGE OF THE FOREST—見ることは、創造すること」は、手前のガラス面と、奥行きがあまりない先の奥壁の２つの面を効果的に使っている。これほど巧みに活用した表現はこれまでなかったのではないだろうか。ガラス面を覆うモノクロの写真の随所に大小の穴が空けられているのだが、穴があると覗いてみたくなるのは、人間の性なのだろう。しばらく通行者の動向を見ていたが、想像以上にいくつもの穴を順に覗いていく人が多いことに驚いた。好奇心をそそり、その先にある発見が、森の細部への関心とそこに多様な命の営みがあることの再認識へと導く。会場には明記されていなかったが、これらが北海道十勝周辺で撮影されたものであるということも、どこかで見たことがある風景の先にあるものという親近感を生んでいるのかもしれない。

林七海「Ramen Paintings」は、ラーメンを真上から見下ろした黄金背景テンペラ画を膨大な数、構成した作品である。その数は744＋5点。すべて本人が食したものなのだという。味噌ラーメンが札幌の名物として認識されて久しいが、これまで制作してきた全国各地のラーメン画に、札幌で食べて描いた新作が加わり、ここで展示する意味を強めている。
プランを最初に見た時は、西洋伝統の黄金背景テンペラ画とラーメンの組み合わせに、奇を衒った印象を受けた。しかし、本人の過去の体験からラーメンを神格化した結果であることを知ると、金色の正方形と丼の円という幾何学的な基本構成のパーツが、黒い背景に整然と並んだ光景に、装飾性をともなった尊厳な宗教的な雰囲気が漂っているのにも合点がいく。大きく描かれた5点は、2024〜2025年に札幌で食べたラーメンである。店名が伏せられているものの、鑑賞者の様子を見ていると、どこの店のものなのかといった会話も聞こえてくる。親しみのあるラーメンという存在や緻密に描かれた写実性、きらきらと輝く装飾性など、多様な面からここを行き交う人々の関心を集める力が確かにある作品である。
　
グランプリに選ばれた上木大汽「失ってから今になる」は、歩きながら順に見られていくことをうまく活かし、順行と逆行の時間の経過を強く感じさせることに成功している。それぞれのブースの中央に冷却装置が据えられ、片方には特殊な方法でプリントされた氷の板が入れられ、もう片方は空であり、「失ってから今になる」という文字がある。そこからそれぞれ左右に融解過程の連続写真が19枚ずつ並んでいる。
氷板上の東京スカイツリーの航空写真は、セスナ機をチャーターして撮影したものなのだという。現代の都市の繁栄を象徴するような画像が溶けてなくなっていく。それを保つためには、常時電気を送り続けなければならない。もうひとつのブースは、ライフルをもった兵士の画像と実際の花を組み合わせた写真。その花がヒマワリであることや兵士の姿に、いまだ戦乱が続くウクライナを思わずにはいられない。溶けてなくなるものと萎れていきながらも残るもの。文明の維持や現在の世界情勢について、重層的な問いを投げかける作品である。
　
澁木智宏「Wrapped Figure／Shell」は、全体を薄く白いフェルトで覆った衣服による作品である。一つのブースには、学生やサラリーマン、ハウスキーパーなどの職種を象徴する服をまとった像が7体並ぶが、それぞれの特徴をフェルトがぼんやりと覆い隠している。もう一つのブースは、うず高く積み重ねられた衣服の山である。現代の曖昧な匿名性とともに、季節柄か雪に覆われ均質化していく様をも思わせる。ただ、衣服の山の表現は、これまでも多くのアーティストが試みてきたものであるだけに、そこにいかに自分ならではの新しさを盛り込むことができるかという課題もある。スペースの関係もあっただろうが、服が本当に積み重なっているのではなく、下にベースがあるのがわかってしまう“空虚さ”も、意図的なものであったのだろうか。